Le blog d'une choriste parisienne vagabonde

Avant d'arriver en gare d'Arcueil-Cachan, il y a une longue côte à monter, du bout de laquelle on voit passer les trains,

ce qui permet de presser le pas, pour ceux qui y parviennent, car la pente est rude. Ce dimanche 28 février, je vis passer le train

de 9h32 du bas de la côte, et arrivai à 9h37 à quai*. La petite gare ferroviaire, héritée de la ligne de Sceaux, l'ancêtre

du RER B, avait une teinte rosée dans le soleil matinal. Je pris quelques photos en attendant le train suivant.

J'arrivai à Notre-Dame vers 10h, où la Maîtrise, composée de voix féminines,

accueillait musicalement les fidèles et la procession.

La première lettre de Paul aux Corinthiens évoquait les baptisés unis à Moïse dont les os jonchaient

le désert, parce qu'ils avaient désiré ce qui est mal, et nous mettait en garde. L'Evangile contait la

parabole du figuier sans fruits que son propriétaire voulait couper, car il épuisait en vain le sol.

Le vigneron chargé de l'entretien du verger, demanda un an de grâce pour qu'il bêche autour de l'arbre

et y mette du fumier, espérant que ces soins le feraient fructifier à nouveau, ce qui le

sauverait de l'abattage. Essayer de soigner, pour n'avoir pas à détruire.

Je suis ressortie de la cathédrale après la messe grégorienne, à cause d'un malaise. L'air froid du dehors m'a fait du bien,

 j'ai marché en direction de l'île Saint-Louis, et suis revenue vers le parvis au son des cloches qui annonçaient la messe de

11h30, en prenant quelques images de la cathédrale, et de cavaliers et chevaux de la garde républicaine, qui passaient par là.

Mon malaise avait cédé à l'air frais, je décidai d'assister à la messe internationale de 11h30, qui comportait

une missa brevis d'Antonio Lotti que j'avais chantée il y a quelques années, et que j'étais heureuse

d'entendre. La Maîtrise était mixte, composée de quatre solistes, pour une messe à quatre voix.

La première lecture fut extraite du livre de l'Exode, Moïse dans le désert voyait un buisson ardent

qui brûlait sans se consumer, et Dieu lui parlait de l'intérieur du buisson... C'est là que Dieu ordonna

à Moïse de faire sortir son peuple d'Egypte, et lui expliqua comment y parvenir.

Les deux autres lectures étaient les mêmes que lors de la messe grégorienne. Le sermon après

l'Evangile fut en partie en anglais, et en italien. La missa brevis de Lotti fut très joliment interprétée

par les quatre solistes de la Maîtrise, en trois parties Kyrie, Sanctus, Agnus Dei.

Je suis ressortie de la messe, et à 12h45, la cathédrale a sonné, alors que j'arrivai à l'escalier du RER**.

Après avoir dépanné un couple qui m'a semblé japonais, charmant, qui partait excursionner à Versailles

et peinait pour choisir et acheter les tickets de transport correspondants, je suis rentrée chez moi.

Sylvie, blogmestre

Pour une raison inconnue, tous les ballets arrivent en même temps dans notre belle capitale. Ainsi,

le Palais des Congrès et le Théâtre des Champs Elysées ont simultanément un programme de ballets

classiques cette semaine, avec les mêmes œuvres. En revanche, entendre un concert dans une grande salle est

devenu mission impossible, on oubliera pendant les vacances de février... C'est surprenant car il y a de la demande,

les Parisiens ne sont pas tous des fanas de glisse, et beaucoup sont à Paris en cette saison. Enfin...

c'est donc une semaine « ballets », et éventuellement d'autres activités.

Hier soir, j'ai fait la connaissance de l'immense amphithéâtre du Palais des Congrès, qui donnait le

Casse-noisette de Piotr Ilitch Tchaïkovski, joué et dansé par l'Opéra national de Lviv, en Ukraine.

Deux très longues queues serpentaient devant l'entrée des billets pairs, et l'entrée des billets impairs.

Des touristes non francophones faisaient des commentaires en anglais qui laissaient apparaître leur perplexité.

J'avais trouvé la bonne file, mais je ne savais plus qui était pair, de « odd » ou de « even », difficile de les aider...

J'étais à cinq rangs de la scène, et comme il y eut des absences, on m'a replacée à mon avantage. L'orchestre était

enfermé dans la fosse, je me souvenais du concert Casse-noisette à la Philharmonie, et me suis demandé comment ils

tenaient tous à l'intérieur... les violons et autres cordes plus volumineuses, la harpe, la celesta, les percussions, les flûtes,

hautbois, bassons... ? La fosse paraissait étroite et tout en longueur, mais c'était peut-être les grandes dimensions

de la salle qui donnaient cette impression. Même avec des absences, une fois que tous les spectateurs furent

installés, ils devaient être plusieurs milliers.

On nous pria de ne pas prendre de photos ni de films vidéo pendant le ballet. Le rideau de velours noir

se leva sur un deuxième rideau, d'une beauté surprenante, peint d'enfants et de rêves d'enfants, dans

une tonalité dominante bleue, un décor fantastique illustrant l'univers onirique de Clara, qui est l'héroïne

du Casse-noisette. Derrière le rideau, il y avait tout un décor de panneaux peints, avec des sortes de

couronnes dont la matière m'a amusée : je pense qu'elles étaient fabriquées à partir d'antennes de

télévision récupérées et soudées, avec des billes et des pointes dorées et argentées.

Voici un morceau de rideau et une couronne de matériau métallique recyclé.

Le décor à l'arrière de la scène représentait un sapin de Noël qui s'alluma pendant le ballet, un très

grand sapin fantastique, tout en hauteur. Rappelons que l'histoire est de Jacques Offenbach, et qu'il

s'agit d'un conte germanique. La jeune Clara fête Noël avec ses parents, et reçoit en cadeau un

casse-noisette en forme de soldat. Pendant la nuit, elle rêve que le casse-noisette s'anime, et devient

un beau prince qui l'emmène dans la neige faire un voyage... Mais avant, il y a un conflit entre

les jouets et l'armée des souris. En fait de souris, il y avait dans le ballet une créature grise et

bondissante, avec de petites oreilles, une reine des souris de rouge vêtue, avec couronne assortie,

et surtout de gros rats très musclés, en bande organisée, qui s'en prenaient aux poupées.

Les poupées se mouvaient avec le rythme saccadé des jouets mécaniques.

On voyait tomber de la neige sur le décor, en projection de gros flocons blancs. Il y avait deux Clara,

une Clara enfant, qui rêvait, supervisée par un adulte dont j'ai supposé qu'il était son père, et

une Clara adulte, qui partait en voyage avec le beau prince. Ils visitaient différentes contrées,

on se souvient qu'il y a dans le Casse-noisette des danses du thé, du chocolat, etc...

Chaque danse était illustrée par des danseurs en costumes spécifiques, sans excès, mais très jolis,

vêtus de blanc, ou de gris perle, ou de blanc cassé, avec des ornements dorés ou argentés. Seule

la reine des souris était en couleur, le père de Clara étant vêtu de noir et blanc, avec perruque Louis XVI.

Les danseurs étaient parfaits, l'orchestre aussi, tous étaient de grands professionnels.

La soirée fut un enchantement. Le rideau est tombé, puis s'est relevé, et les danseurs ont exécuté

quelques pas pour saluer, c'était le moment que nous attendions pour immortaliser la soirée !

Le chef d'orchestre est aussi monté sur la scène, tous étaient très gracieux. Le public, ai-je noté,

était différent du public que je rencontre aux concerts de musique classique, mais remarquablement

concentré pendant tout le spectacle. J'ai trouvé dommage que l'orchestre soit invisible...

Le personnel du Palais nous a très courtoisement salués quand nous sommes pasés devant eux

en sortant. Le retour a été fluide, malgré le grand nombre de personnes sortant du spectacle. C'était

une très bonne soirée. Avis aux amateurs de ballets, le Casse-noisette est joué à nouveau ce soir au

Palais des Congrès de la Porte Maillot, puis ce sera le Lac des cygnes samedi et dimanche prochains.

Sylvie, blogmestre

Cet après-midi, j'ai vu le film documentaire d'Amy Berg consacré à Janis Joplin, comète éphémère

tombée sur la planète du blues, au cinéma Le Panthéon, dans le Vè arrondissement.

Le cinéma était agréable, les sièges confortables, il avait une programmation de films d'art et d'essai,

et l'on m'a accordé le tarif étudiant, ce qui n'est pas le cas partout. « Janis, little girl blue » est sorti à Paris

il y a un mois environ, et depuis sa sortie je voulais le voir. Voici l'affiche du film :

Janis Joplin était une chanteuse de blues et de rock des années 60, originaire d'une famille protestante

du Texas, dont un musicien noir disait en riant « Are you sure she's white ? » tant sa voix rappelle le

blues afro-américain, puissante, éraillée souvent, enfin, pas la voix d'une petite Blanche du sud des USA

issue d'une famille convenable. Le film retrace sa vie, qui s'est terminée à l'âge de 27 ans. Depuis le début

de la narration, on serait, musicalement, en mode mineur, tant on sent le poids de la fin dramatique qui

approche. Janis rejetée par ses camarades de classe, puis découvrant ses capacités vocales extra-

ordinaires, elle interrompt ses études d'institutrice pour suivre un groupe musical, au début des années

soixante, dans l'incompréhension de ses parents. Janis part vivre à San Franciso, son talent est progressi-

vement reconnu, mais sa vie privée est cahotique, et elle fait l'expérience inéluctable des drogues.

Les sommets de la musique pop américaine de l'époque, les festivals Monterey pop et Woodstock, la

poussent à affirmer davantage son talent en coupant quelques liens supplémentaires, elle abandonne

les drogues, va mieux, mais la solitude la rattrape, et elle rechute. On l'a retrouvée sans vie dans un hôtel,

en 1970, sans savoir ce qui s'était passé, à part sa consommation d'héroïne. Une saleté d'accident.

L'album qu'elle préparait, Pearl, s'est vendu à plusieurs millions d'exemplaires. Dans le générique du film,

John Lennon, qui lui survivra dix ans, avant d'être assassiné par un fan, dit qu'elle lui avait enregistré

une cassette de bon anniversaire avant sa mort... Grandeur et misère des rock-stars.

Janis Joplin reste un cas à part dans la musique de blues, une voix inimitée.

Un film émouvant sur une artiste hypersensible (ce que nous sommes tous, n'est-ce pas?)

Sylvie, blogmestre

Hier soir j'ai entendu deux symphonies de Mendelssohn dans la grande salle de la Philharmonie

de Paris, par le Chamber Orchestra of Europe, le RIAS Kammerchor, et trois solistes,

sous la direction de Yannick Nézet-Séguin.

Sur deux jours, les 20 et 21 février, Yannick Nézet-Séguin dirigeait l'intégrale des cinq symphonies

écrites par Mendelssohn à l'âge adulte (il convient de préciser, car le jeune Felix composa douze

symphonies de jeunesse, alors qu'il était pré-adolescent...) Le premier concert du 20 février comprenait

la symphonie n°3 en la mineur « Ecossaise », et la symphonie n°2 en si bémol majeur « Lobgesang ».

Ces deux concerts étaient à la limite d'afficher complet quand j'ai réservé.

Quand j'ai gagné ma place, il n'y avait plus de livrets disponibles, puis j'en ai reçu un alors que la lumière s'éteignait

progressivement. Impossible donc de lire avant la première partie du concert le commentaire qui était fait de

la troisième symphonie, instrumentale, qui était jouée en premier. A l'entracte j'ai lu prioritairement le commentaire de

la deuxième symphonie, afin de mieux la comprendre en l'écoutant. En lisant après coup le commentaire de la symphonie

« Ecossaise », je m'aperçois que j'ai du mal à ajuster les descriptions du livret au souvenir que j'ai gardé de cette œuvre...

Mendelssohn avait fait un voyage dans les Highlands à l'âge de vingt ans, qui lui avait laissé une

impression profonde. Selon le livret, Wagner estimait que Mendelssohn était très visuel et très

atmosphérique, « un paysagiste de premier ordre » (on se souvient qu'il peignait aussi très joliment). Le mode

d'écriture est mineur, il y a un fond de mélancolie. Il y aurait donc des lochs, des embruns, de la bruyère

et des farfadets dans cette symphonie, et des danses écossaises dans le deuxième mouvement (les

amateurs de danses folkloriques reconnaîtront les scottish). La flûte et le hautbois étaient fortement mis à

contribution dans les soli. Le livret précise que le duo hautbois-flûte représenterait une cornemuse...

une cornemuse de luxe, alors, pas un biniou de village, d'autant que la flûte solo était en vermeil ! Cette symphonie est

chantante, très agréable à écouter, avec des motifs qui reviennent, des notes fluides et des roulements

de timbales. Une invitation symphonique au voyage, avec lutins, danses en kilt, et brumes écossaises.

La deuxième symphonie « Lobgesang » (Chant de louanges) est en deux parties : une première

partie instrumentale en trois mouvements, et une deuxième partie vocale et instrumentale en neuf

mouvements. La seconde partie alterne le choeur et les solistes. Cette symphonie fut créée en 1840

en l'église Saint-Thomas de Leipzig, celle où Bach avait été Kantor. Comme dans les oratorios de

Mendelssohn, on retrouve parmi les choeurs un choral « Nun danket alle Gott », homonyme d'une partie

de cantate de Bach (mais la mélodie est différente). La lumière était faible au deuxième balcon, j'ai suivi les parties

vocales sur le livret, qui en donnait le texte, en devinant un mot sur deux. Mais, découverte agréable, après les deux oratorios

de Mendelssohn que nous avons chantés en 2011 et 2015, des formulations classiques de la musique sacrée allemande

revenaient qui me permettaient de comprendre le sens du texte. La symphonie n°2 a été créée pour célébrer les

400 ans de l'invention de l'imprimerie par Gutenberg, dans ce grand centre intellectuel du XIXè siècle

qu'était Leipzig. Le premier livre imprimé étant une Bible, il était logique que la symphonie

qui célébrait sa création fut d'inspiration sacrée.

Le RIAS Kammerchor est un ensemble vocal allemand de référence, l'Orchestre de chambre d'Europe

est un ensemble instrumental de très haut niveau comprenant des musiciens européens.

Yannick Nézet-Séguin est un chef d'orchestre canadien, dont je ne saurais citer tous les orchestres

qu'il dirige ou a dirigés... Les trois excellents solistes appartenaient au choeur de chambre.

J'ai été séduite par la perfection de l'interprétation, et l'énergie du chef. Tout était parfait.

Les instruments, l'orgue, dont les tuyaux s'éclairèrent pour l'occasion, les solistes, le choeur...

il n'était pas possible de faire mieux. C'était presque inhumain! Lorsque, après de longs applaudissements,

nous avons suggéré un bis, Yannick Nézet-Séguin nous a dit que pour le bis,

il y aurait un second concert le lendemain... !

La salle se vida en bouchonnant le métro. Je pris une photo de la station

de métro-partition en attendant la rame suivante...

Sylvie, blogmestre

Hier soir, pour clôturer en beauté une période d'activités culturelles intense, je suis allée voir l'opéra

de Mozart « Mithridate » au Théâtre des Champs Elysées. J'avais loué un très joli strapontin,

mais un siège plus élaboré, resté libre à proximité, m'a permis de m'asseoir plus confortablement, ce qui,

eu égard aux 3h15 de durée du spectacle, fut bienvenu.

C'était une chance pour moi, car le théâtre était très plein, même le deuxième balcon semblait avoir

été pris d'assaut par des mélomanes lyriques mozartiens. Impossible de prendre une photo avant

le concert, mais voici la position du strapontin dans le théâtre à l'entracte, vidé de ses occupants.

Mithridate, de Mozart est un « opera seria », c'est à dire un opéra « sérieux », par opposition à

« opera buffa », opéra bouffe, comique. C'est une œuvre dramatique que Mozart composa à l'âge de

quatorze ans, à partir d'un livret inspiré de la tragédie homonyme de Racine. L'âge du compositeur au

moment de la composition donne toute la dimension de son génie, car tant la musique que les caractères

des personnages sont aboutis, malgré la jeunesse de Mozart. Il est vrai que le drame de Racine a été écrit

en 1673 par un auteur plus âgé, et que l'utilisation qu'en a fait le jeune musicien est fidèle au drame original.

Mithridate était la tragédie préférée de Louis XIV, la pièce est très représentative du théâtre en vogue au

XVIIè siècle : roi, princes et princesses déchirés, amours impossibles, luttes de pouvoir, guerre, bravoure,

trahison, empoisonnements... Tout un univers tumultueux qui devait fort plaire à Versailles, puis

ultérieurement, à Milan, où l'opéra fut créé en 1770. L'opéra est en italien, sous-titré en français.

Il commença par une ouverture très agréable, gracieuse, jouée par le Concert d'Astrée depuis la fosse

d'orchestre, dirigé par Emmanuelle Haïm. L'exposition des personnages et de l'intrigue fut en revanche

plus ardue. Heureusement que nous sommes au pays de Jean Racine, et que nous avons

dans nos études peu ou prou abordé cette tragédie.

Mithridate était roi d'un petit royaume italien, et avait deux fils, Pharnace et Xipharès. Il y a déjà une

complication au départ, car les noms originaux ont été transformés dans l'opéra en Mitridate, Farnace, et

Sifare. Aspasia, qui s'appelait Monime pour Racine, est la fiancée de Mitridate. Celui-ci est parti en guerre,

et a fait croire qu'il était mort. Ses deux fils, qui sont tombés amoureux d'Aspasia, convoitent le trône,

et la fiancée de leur père. Mais le voici qui revient ! (Photo extraite du site du Figaro, Mithridate et Aspasia)

Patricia Petibon et Michael Spyres

L'interprétation d'Aspasia était ici chantée par Patricia Petibon, et celle de Mitridate par Michael Spyres,

Farnace par Christophe Dumaux, et Sifare par Myrto Papatanasiu, qui est une soprano. En effet, dans

l'écriture de Mozart, le roi est ténor, le prince aîné est contre-ténor, et le prince cadet est sopraniste,

les deux rôles des princes étant initialement tenus par des castrats. L'idée est assez surprenante, quand on

songe au souci permanent qu'avaient tous ces princes de s'assurer une descendance, et que Mozart, qui avait beaucoup

voyagé dans les cours d'Europe, devait bien connaître. Un peu de malice juvénile de la part du compositeur, peut-être ?

Cette distribution explique en partie que Mithridate soit un opéra peu joué, et la solution retenue par le

Théâtre des Champs-Elysées, confronté au problème du prince Sifare dont la tessiture est très haute, de

donner le rôle à une jeune soprano. L'inconvénient est que l'on perd en différence de timbres dans les duos entre

Sifare et Aspasia, puisqu'il s'agit alors de deux premières sopranes. Mozart ne savait pas que deux siècles et demi après

la création de son opéra, l'on ne mutilerait plus personne pour chanter plus haut... (et c'est bien heureux !)

L'autre raison qui fait de Mithridate un opéra peu joué est son côté statique un peu austère. Le metteur

en scène Clément Hervieu-Léger a introduit un peu de mouvement en créant une fausse mise en abyme, c'est-à-dire que

nous voyons des artistes lyriques en train de répéter l'opéra Mithridate à proximité d'une salle de spectacle, et l'opéra

prend corps sous nos yeux petit à petit, il y a même le souffleur qui  intervient distinctement par deux fois pour rappeler

quelques mots oubliés. C'est moins statique, mais plus embrouillé pour le spectateur, qui n'a pas eu le temps

de lire le gros programme disponible à l'entrée, et qui ne s'est pas documenté avant de venir voir l'opéra.

J'aurais, personnellement, compris plus vite l'intrigue si les princes et la fiancée du roi avaient été costumés en princes.

Mais Clément Hervieu-Léger explique très bien ce qu'il a voulu faire, dans la vidéo ci-dessous:

Clément Hervieu-Léger explique sa mise en scène

Cependant, l'intrigue se poursuivait sur le plateau, le roi atrocement jaloux de son fils cadet amoureux

de sa fiancée, et réciproquement, sommant celle-ci de l'épouser quand même, et arrêtant l'audacieux,

l'autre fils le trahissant avec les Romains. La fiancée avait tenté de mettre fin à ses jours par le poison,

mais avait été sauvée. Ce sera Mithridate qui mourra, revenu victorieux d'une guerre menée

avec ses fils, mais blessé, et unissant, avant de mourir, son fils cadet avec sa fiancée.

Plus on avançait dans l'intrigue, plus les chanteurs effectuaient des prouesses, plus ils étaient applaudis.

On ne peut que s'étonner de ces parties très aiguës et très acrobatiques composées par Mozart pour

les interprètes de son opéra. Toutes les voix sont des sopranos pour les femmes, et dans les voix

d'hommes, la plus grave est un ténor qui monte haut dans les aigus! Il s'agissait d'une commande,

et l'on peut se demander si Mozart ne s'est pas livré ici à un exercice de style.

L'opéra a été très applaudi, la salle était manifestement ravie de sa soirée, des chanteurs, de l'orchestre,

et de la musique. C'était une très belle représentation, félicitations à tous !

Ce spectacle a été enregistré, et sera diffusé ultérieurement à la télévision sur la chaîne Arte, et à la radio

sur France Musique. Il sera mis en ligne et visible en streaming à partir de demain soir 20 février sur le

site internet d'Arte. Voici aussi un article très intéressant paru dans Télérama en ligne,

pour les lecteurs qui souhaiteraient approfondir le sujet.

Il est visible au Théâtre des Champs Elysées jusqu'au 20 février.

Un dernier mot, Mithridate est passé à la postérité par sa phobie du poison, qu'il absorbait par doses croissantes

pour y accoutumer son corps, nous laissant .la "mithridatisation"...

Sylvie, blogmestre